REMBRANDT, HARMENS VAN RHYNE(Rembrandt, Harmenz van Rijn) (1606–1669) - cel mai mare artist, pictor, desenator, gravor care a trăit în secolul al XVII-lea. in Olanda.
La 15 iulie 1606, la Leiden, morarul bogat Harmen Gerrits și soția sa Neeltge Willems van Zeitbroek au avut al șaselea copil, pe nume Rembrandt. Moara era situată nu departe de Rinul care traversa orașul, așa că Harmen Gerrits a început să se numească van Rijn, iar întreaga familie a primit această adăugare la nume de familie.
Părinții, dându-i lui Rembrandt o educație bună, doreau ca acesta să devină om de știință sau funcționar. A studiat la școala latină, iar apoi din 1620 la Universitatea din Leiden, pe care a părăsit-o fără să absolve. Pofta de desen, care s-a manifestat încă din copilărie, l-a condus la atelierul pictorului local Jacob van Swanenburg, care l-a învățat pe Rembrandt elementele de bază ale desenului și picturii și l-a introdus în istoria artei. După ce a studiat cu el timp de trei ani, Rembrandt s-a mutat la Amsterdam în 1623 și și-a continuat studiile cu celebrul pictor Pieter Lastman (1583–1633). Dar antrenamentul a durat doar șase luni. În 1624, Rembrandt s-a întors la Leiden și acolo, împreună cu prietenul său Jan Lievens, și-a deschis atelierul de pictură.
În secolul al XVII-lea În Olanda, după victoria asupra Spaniei, catolicismul a fost interzis, protestantismul nu permite decorarea pitorească în biserici. Prin urmare, biserica, care era anterior cel mai mare client al picturii, pierde acest rol, iar burghezia mare și mijlocie, cetățenii înstăriți, ies în prim-plan. Tablourile destinate decorarii caselor burghere trebuie acum să îndeplinească noi obiective. Mărimile se schimbă, apar subiecte noi, are loc o divizare în genuri de pictură, interes pentru gen de zi cu zi, peisaj, natură moartă, portret, se dezvoltă un tip de portret de grup. Rembrandt învață de la artiștii din trecut și de la contemporanii săi, stăpânind tehnicile picturii și gravurii. Studiază arta Italiei din turnări, gravuri, copii și percepe începutul umanist al artei italiene. Stilul baroc, care își are originea în secolul al XVII-lea, a avut, de asemenea, o mare influență asupra operei sale, dar sofisticarea, fastul și teatralitatea accentuată a acestui stil erau departe de căutările lui Rembrandt. A fost un fan al operei lui Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573–1510), fondatorul mișcării realiste în pictura europeană din secolul al XVII-lea.
Deja în portretele lui Rembrandt din perioada Leiden este vizibil interesul artistului pentru lumea interioară a omului. Acordând o atenție primordială dezvăluirii stării mentale a celor înfățișați, el omite detalii secundare ( Portretul unui bătrân războinic, BINE. 1630, Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat). A creat primele tablouri narative ( Expulzarea comercianților din templu, 1626, Moscova, Muzeul Pușkin im. A.S. Pușkin; Schimbat, 1627, Berlin - Dahlem), pânze în centrul cărora se află oameni de știință ( Convorbiri ale magilor, 1628, Melbourne, National Gallery; Om de știință la masă, 1628, Londra, National Gallery; Portretul unui om de știință, 1631, Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat). Studiind cu atenție arta gravurii, el creează multe desene, gravuri și gravuri.
La sfârșitul anului 1631, Rembrandt, un renumit pictor portretist și autor de picturi istorice, s-a mutat la Amsterdam, cel mai mare oraș comercial. Unul dintre primele tablouri pictate de Rembrandt la Amsterdam, tabloul Bala Lecția de anatomie de la Dr. Tulpa(1632, Haga, Mauritshuis), aparținând tradiției portretelor de grup. Artistul transmite asemănarea portretului tuturor personajelor, dar spre deosebire de tradițiile unui portret de grup, în care fiecare dintre portrete ocupă o poziție egală, aici toate personajele sunt subordonate emoțional tulpa. Pictura a stârnit un mare interes, iar Rembrandt a devenit unul dintre tinerii portretişti la modă din Amsterdam.
În 1634, Rembrandt s-a căsătorit cu fiica fostului burgmaster din Leeuwarden, Saskia van Uylenburg, un patrician nobil și bogat. După căsătorie își cumpără o casă mare. Mobilând casa cu lucruri de lux, artistul creează o colecție bogată, care a cuprins lucrări ale lui Raphael, Giorgione, Dürer, Mantegna, van Eyck, gravuri din lucrări ale lui Michelangelo, Tizian. Rembrandt a colecționat miniaturi persane, vaze, scoici, busturi antice autentice, porțelan chinezesc și japonez, sticlă venețiană, țesături orientale scumpe, costume ale diferitelor națiuni, tapiserii și instrumente muzicale.
În anii 30, Rembrandt a fost un artist prosper, de succes, bogat, ceea ce se reflectă în lucrările sale. În multe tablouri el o înfățișează pe iubita sa soție Saskia ( Portretul unei Saskia zâmbitoare, 1633, Dresda, Galeria de Artă; Floră, 1634, Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat; nunta lui Samson, 1638, Dresda, Galeria de Artă de Stat). Deosebit de notabil este celebrul Autoportret cu Saskia genunchi(1635, Dresda, Galeria de Artă de Stat). Se arată a fi un domn vesel cu un pahar de vin, care o îmbrățișează pe Saskia pe jumătate întoarsă, stând în poală cu spatele la privitor. Poza este plină de vitalitate, energie și pătrunsă de dragoste pentru soția sa. Picturi celebre pe teme biblice datează din aceeași perioadă ( Sărbătoarea lui Belşaţar,1634, Londra, National Gallery; Sacrificiu Avraam, 1635, Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat), peisaje ( Peisaj cu iaz și pod arcuit, 1638, Berlin - Dahlem; Peisaj cu furtună, 1639, Brunswick, Muzeul de Stat al Ducelui Anton Ulrich), portrete ceremoniale, gravuri. Acesta este momentul în care Rembrandt și-a perfecționat tehnicile de pictură și desen, dând creațiilor sale cea mai mare expresivitate și profunzime. Studiind metodele tradiționale de scriere și abordări ale temelor revelatoare, el se îndepărtează din ce în ce mai mult de aceste tradiții în munca sa. În loc de pensulele netede, glazurate, care sunt aplicate în straturi subțiri de vopsele transparente și translucide deasupra unui strat dens de vopsele și creează o singură suprafață picturală a pânzei, el pictează tablouri cu lovituri ascuțite, impastate, abandonând treptat detaliile detaliate.
La începutul anilor '40, Rembrandt era un pictor popular și foarte plătit. În anii 1930, a pictat aproximativ 60 de portrete la comandă. Are vreo 15 elevi. Una dintre cele mai faimoase picturi ale lui Rembrandt din această perioadă este Danae(1636–1646, Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat). După ce a plasat eroina mitologică într-un alcov luxos al unei case olandeze bogate burgheze, el descrie cu măiestrie baldachinul de catifea, pernele elegant brodate, admiră razele de lumină aurie, valurile moi care inundă frumosul trup gol al lui Danae.
A început să lucreze la pictură într-o perioadă de fericire a familiei, la apogeul faimei. Dar în anii următori, multe s-au schimbat: cei trei copii ai lui Rembrandt au murit, la câteva luni după nașterea ultimului său fiu, Titus, a murit iubita lui soție Saskia (1642), iar el și-a pierdut curând mama și surorile. Unul dintre ultimele portrete ale soției sale a fost Ultimul portretul lui Saskia(1643, Berlin – Dahlem).
La începutul anilor '40, Rembrandt a primit un ordin de la căpitanul detașamentului de pușcași, Frans Banning-Kok, pentru un portret mare de grup al detașamentului pentru sala principală a noii clădiri a breslei de pușcași din Amsterdam. Se creează faimos Veghea de noapte(1642, Amsterdam, Rijksmuseum) (3,87–5,02 m). Unitatea de 18 piese este un singur grup coeziv, înconjurat de orășeni. Săgețile de marș ies din arcul clădirii în piața iluminată, sub un steag fluturând. Portretul de grup capătă caracterul unei picturi istorice unice în care Rembrandt întruchipează ideea sa despre idealurile civice. Părerile contemporanilor despre pictură au fost împărțite: unii au văzut imediat capodopera, alții, inclusiv clienții, au constatat că pictura nu îndeplinește tradițiile unui portret de grup. Prin urmare, l-au atârnat într-un alt loc, mai mic, care nu era destinat acestuia, tăind pânza pe toate părțile, ceea ce a perturbat compoziția picturii. În ciuda acestui fapt, ea este un exemplu de neegalat de portret de grup, în care fiecărui personaj i se dă o caracteristică psihologică acută.
Anii 50 și 60 au fost marcați de crearea unor capodopere remarcabile, precum și de adâncirea conflictului artistului cu autoritățile. Autoritățile au fost nemulțumite de faptul că Hendrikje Stoffels, un fost servitor în casa lui Rembrandt, i-a devenit soția de drept comun. Artista nu s-a putut căsători oficial cu ea, pentru că... Conform testamentului lui Saskia, Rembrandt, la intrarea într-o nouă căsătorie, ar fi lipsit de dreptul de a fi gardianul moștenirii fiului său Titus. Biserica a persecutat-o pe Hendrikje pentru relația ei, care nu a fost sfințită prin căsătorie.
Rembrandt îl înfățișează în mod repetat pe Hendrickje, ea devine modelul lui ( Portretul lui Hendrikje în haine bogate, 1654, Paris, Luvru; Portretul lui Hendrikje Stoffels, 1657–1658, Berlin - Dahlem; imaginea Mariei din tablou Sfânta Familie, 1645, Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat, inspirat tot de trăsăturile ei).
Rembrandt este aproape complet lipsit de comenzi. În această perioadă a pictat picturi pe teme biblice și mitologice: Iosif, acuzat de soţia lui Pentephry(1655, Washington, Galeria Națională), Hristos în Emaus(1648, Paris, Luvru). În centrul operei lui Rembrandt se află omul, lumea lui interioară, experiențele și bucuriile. Acordând o mare atenție portretelor, el se concentrează pe dezvăluirea lumii spirituale a modelelor sale: Portret Doamne în vârstă(1654, Moscova, Muzeul de Stat de Arte Plastice Pușkin), Portretul unui bătrân în roșu(1654, Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat), Titus citind(c. 1657, Viena, Kunsthistorisches Museum), Portret Jan Syksa(1654, Amsterdam, Colecția șase). Autoportretele târzii ale artistului, care sunt izbitoare prin versatilitatea lor, aparțin și ele acestui tip de portrete. caracteristici psihologice: Auto portret(c. 1652, Viena, Kunsthistorisches Museum), Auto portret(1660, Paris, Luvru). Rembrandt a primit comisii de pictură atât de rare la acea vreme: Aristotel meditând bustul lui Homer(1653, New York, Metropolitan Museum of Art).
După ce a cumpărat o casă de lux în anii de prosperitate financiară, Rembrandt a plătit doar jumătate din sumă. Datoriile rămase, mai ales după moartea lui Saskia, l-au dus treptat pe artist la faliment. Creditorii depun procese formale și solicită o hotărâre judecătorească pentru a-i întemnița. Campania de persecuție a artistului include și rudele lui Saskia, cu care Rembrandt a avut un conflict în timpul vieții lui Saskia, pentru că susțineau că artistul risipește averea soției sale. Deși la acea vreme Rembrandt a făcut o avere prin munca sa care o depășește pe cea a soției sale, el a adunat o colecție magnifică de valori artistice. Din nou, biserica condamnă coabitarea sa cu Hendrickje, fiica lor Cornelia fiind declarată ilegitimă. În 1656, printr-o hotărâre judecătorească, Primăria din Amsterdam l-a declarat pe Rembrandt debitor insolvent, a fost făcut un inventar al proprietății, iar în 1656–1658 a fost vândut. Valoarea reală a proprietății artistului a fost de câteva ori mai mare decât mărimea datoriilor sale: colecția a fost evaluată la 17 mii de guldeni. Cu toate acestea, a fost vândută cu doar 5 mii, casa a fost evaluată la jumătate din costul inițial. Dar nu toți creditorii au fost mulțumiți. Iar instanța a decis că toate tablourile pe care artistul le-ar crea trebuie să fie vândute pentru a plăti datorii, de asemenea, instanța l-a lipsit pe Rembrandt de dreptul de a avea proprietate, cu excepția obiectelor purtate și a rechizitelor pentru pictură, ceea ce a însemnat o existență mizerabilă. Familia lui Rembrandt se mută în cel mai sărac cartier din Amsterdam. După ruinarea tatălui său, Titus, pentru a-și face proprietatea complet inaccesibilă creditorilor lui Rembrandt, întocmește un testament în care își lasă întreaga avere surorii sale Cornelia și îl numește pe Rembrandt tutore cu drept de folosință a banilor. .
În ciuda situației dificile, Rembrandt continuă să picteze. Acestea sunt în principal autoportrete, portrete ale rudelor ( Portretul lui Titus, 1660, Baltimore, Jacobs Collection), se întoarce din nou la imaginea biblicului David ( David înaintea lui Saul, 1657, Haga, Mauritshuis).
În 1660, Titus și Hendrickje au deschis un magazin de antichități, unde Rembrandt a fost angajat ca expert. Și deși, potrivit unei hotărâri judecătorești, picturile proaspăt pictate de Rembrandt urmau să fie trecute la dispoziția creditorilor, contractul de angajare i-a oferit artistului posibilitatea de a-și transfera lucrările la un magazin de antichități. Acest lucru a permis familiei să-și mărească veniturile și să-și cumpere o casă. Încă o dată artistul apelează la autoportrete și picturi pe o temă biblică ( Artaxerxe, Haman și Estera, 1660, Moscova, Muzeul Pușkin im. A.S. Pușkin). Printre alți artiști, primește ordin de decorare a Primăriei din Amsterdam ( Conspirația lui Julius Civillis sau Jurământul Botavilor, 1661, Stockholm, Muzeul Național). Pictură (dimensiune aprox. 30 metri patrati) sunt returnate artistului „pentru corectare”. Dar Rembrandt a refuzat să facă modificări, iar ordinul a fost dat altui artist. Pe o parte a acestei pânze, Rembrandt a finalizat o altă comandă - celebrul portret de grup Sindicilor(1662, Amsterdam, Rijksmuseum). Sindicii, maiștrii și corporațiile atelierului de îmbrăcăminte stau la masă în costume negre formale. Claritatea și echilibrul compoziției, parcimonia și precizia selecției detaliilor, crearea unei imagini complete a unui grup de oameni, unghiul neobișnuit care subliniază natura monumentală a imaginii, solemnitatea a ceea ce se întâmplă - toate acestea clasifică tabloul drept o mare capodoperă a picturii.
În 1663, Hendrikje moare, iar în testamentul ei îi lasă lui Titus un magazin de antichități și o mică moștenire lui Rembrandt. Rembrandt devine gardianul fiicei sale Cornelia. După o pauză creativă de doi ani, a pictat o serie de tablouri celebre: David și Urie(1665, Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat), mireasă evreiască(1665, Amsterdam, Rijksmuseum), Portret de familie(1668–1669, Breungschweig, Muzeul de Stat Duce Anton Ulrich). Dar adevărata apoteoză a întregii opere a lui Rembrandt a fost pictura Întoarcerea celui risipitor fiul(1668–1669, Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat). Artistul a abordat în mod repetat acest subiect (schițele și schițele pot fi găsite deja în anii 30). Pe o pânză uriașă (260 × 205 cm) este prezentată din spate figura îngenunchiată a unui fiu, care se întoarce pe acoperișul tatălui său. Figura lui întruchipează pocăința unui bărbat care a parcurs calea tragică de a învăța despre viață. Chipul înțelept și spiritual al unui părinte bătrân, sfințit de mare bunătate, un fiu care acceptă și iertează, este o capodopera a lui Rembrandt, un maestru care știe să pătrundă în sufletul personajelor sale și să-și arate toate experiențele pe pânză. Aceasta este o imagine despre suferință și mare dragoste.
În februarie 1668, Titus s-a căsătorit cu Magdalena van Loo, dar a murit la scurt timp după. Acest lucru i-a dat o lovitură zdrobitoare lui Rembrandt, iar la 8 octombrie 1669 a murit în brațele fiicei sale Cornelia.
Moștenirea creativă a lui Rembrandt este enormă: aproximativ 600 de picturi, aproape 300 de gravuri și 1.400 de desene. A afectat munca elevilor săi, dintre care cei mai cunoscuți sunt Gerrit Dou, Govart Flink, Samuel van Hoogstraten, Karel Fabricius, Nicholas Mas. A influențat și dezvoltarea artei mondiale în ansamblu, deși a fost apreciată mulți ani mai târziu. Gamă tematică largă, umanism, căutare de expresivitate mijloace artistice, cea mai mare pricepere i-a permis artistului să dea viață ideilor avansate ale vremii. Emoționalitatea lucrărilor sale este mare, creată de colorarea picturilor, care este construită pe o combinație de tonuri calde apropiate și cele mai fine nuanțe de culoare. Rembrandt a lăsat o uriașă moștenire artistică, creând picturi pe teme biblice, istorice, mitologice și cotidiene, portrete și peisaje și a fost un mare maestru al gravurii și gravurii. El a acordat o atenție centrală în munca sa omului, lumii sale interioare, experiențelor sale și revelației bogăției sale spirituale. Figura creativă a lui Rembrandt stă în picioare de secole alături de cei mai mari reprezentanți ai artei mondiale.
Nina Bayor
Autoportret de Rembrandt, 1661. Ulei pe pânză, 114x91.
Kenwood House, Londra, English Heritage.
Ilustrație de pe site-ul http://rembr.ru/
Rembrandt, Harmenz van Rijn (1606–1669), pictor, desenator și gravor olandez, unul dintre cei mai mari maeștri ai artei vest-europene. Născut la Leiden la 15 iulie 1606 în familia unui morar bogat. În 1620 a intrat la Universitatea din Leiden, dar nu a stat mult acolo și în curând a devenit studentul artistului local Jacob Isaacs Swanenburch. În jurul anului 1623 s-a mutat la Amsterdam, unde a intrat în atelierul lui Jan Peynas și a studiat cu maestrul picturii istorice Pieter Lastman. Acesta din urmă l-a introdus pe Rembrandt în lucrările maeștrilor artei italiene. Din 1625 până în 1631, Rembrandt și-a păstrat propriul atelier în Leiden, lucrând uneori cu pictorul și gravorul Jan Lievens. Dintre elevii lui Rembrandt, Gerard Dou este cel mai faimos.
În 1631 sau la sfârșitul lui 1632, Rembrandt s-a întors la Amsterdam. La 22 iunie 1635 s-a căsătorit cu Saskia van Uylenburch, fiica bogatului burgmaster din Leuwarden. În 1642 succes în creativitate și viata personala a fost înlocuit de o serie de nenorociri. La sfârșitul anilor 1630, i s-au născut patru copii unul după altul, dar toți au murit în copilărie, iar apoi, la 14 iunie 1642, iubita lui soție a murit brusc. Artistul a rămas alături de fiul său, Titus, în vârstă de un an. The Night Watch (1642, Amsterdam, Rijksmuseum), finalizat la scurt timp după moartea lui Saskia, marchează începutul noilor sale explorări creative.
La sfârșitul anilor 1640, Hendrikje Stoffels a devenit soția neoficială a lui Rembrandt (conform testamentului lui Saskia, acesta nu se putea căsători a doua oară). În 1654 s-a născut fiica lor Cornelia. Cu toate acestea, acum artistul era bântuit de dificultăți financiare. În iulie 1656 a fost forțat să declare faliment, iar în următorii doi ani colecția sa remarcabilă a fost vândută. Dorind să-l ajute pe Rembrandt, la sfârșitul anului 1658 Titus și Hendrikje au început să se angajeze în comerțul cu pictură.
Ultimii ani ai vieții artistului au fost umbriți de moartea celor dragi. Hendrickje a murit la 24 iulie 1663. Titus s-a căsătorit în februarie 1668 și a murit șase luni mai târziu. Acum Rembrandt a rămas singur cu tânăra Cornelia. Rembrandt a murit la 4 octombrie 1669.
Rembrandt a creat aproximativ 600 de picturi, aproape 300 de gravuri și peste 1.400 de desene. Mai jos este o prezentare cronologică a lucrării sale.
Perioada timpurie Opera lui Rembrandt ar trebui luată în considerare în contextul influenței artei italiene asupra picturii olandeze. Dintre maeștrii italieni, olandezii au fost atrași în special de Caravaggio, în ale cărui lucrări naturalismul îndrăzneț și modelarea contrastantă a luminii și umbrelor păreau a fi o provocare pentru arta clasică. Artiști precum Gerard Terbruggen și profesorul lui Rembrandt Pieter Lastman au lucrat în stilul lui Caravaggio, introducând treptat caravagismul în arsenalul mijloacelor artistice ale picturii olandeze. Picturile lui Rembrandt din perioada Leiden (1625–1631) aparțin și ele acestei mișcări. Picturile The Money Changer (1627, Berlin) și The Scientist in His Study (1629, Londra, National Gallery) au arătat interesul maestrului pentru transmiterea efectelor de lumină. Prima dintre ele înfățișează un bătrân cu ochelari la serviciu, într-un colț presărat cu cărți de conturi. Fața lui încrețită este luminată de lumina slabă a unei singure lumânări, pe care o acoperă cu mâna. În al doilea tablou, Rembrandt a căutat să transmită atmosfera unui interior aerisit. Subiectul principal al imaginii este încăperea în sine, cu un tavan înalt, plin de lumină moale, fluturând.
Pe tot parcursul meu calea creativă artistul a apelat la subiecte în care drama vieții profunde se îmbină cu elemente de psihologism subtil. Tabloul Cina la Emaus (c. 1630, Paris, Muzeul Jacquemart-André) prezintă trăsăturile picturii lui Rembrandt din această perioadă. Rembrandt a prezentat acest episod ca o punere în scenă teatrală. Silueta lui Hristos iese în evidență pe fundalul luminii orbitoare, cea mai mare parte a pânzei fiind scufundată în umbră.
Mutarea la Amsterdam și marile succese artistice care au urmat au deschis o nouă perioadă în opera lui Rembrandt; acesta este un deceniu în care au fost create lucrări, impregnate de dramatism și, în același timp, nelipsite de senzualitate materială, parțial legate în spirit de operele flamandului Peter Paul Rubens. Prima comandă majoră primită de Rembrandt la Amsterdam a fost tabloul Anatomia doctorului Tulp (1632, Haga, Mauritshuis). Este o imagine a unui celebru medic din Amsterdam și a colegilor săi din breasla chirurgilor din oraș.
Printre picturile pe subiecte istorice realizate de Rembrandt în anii 1630, Orbirea lui Samson (1636, Frankfurt pe Main, Institutul de Artă Städel) pare deosebit de dramatică. Flashuri de lumină, diagonale dinamice și culori vibrante sunt folosite pentru a spori tensiunea intrigii; imaginea este plină de mișcări clare și rapide.
Hedonismul și virtuozitatea tehnică care caracterizează pictura lui Rembrandt din acești ani sunt poate cel mai viu întruchipate în Autoportret cu Saskia (c. 1635, Dresda, Galeria de imagini). Aici artistul s-a înfățișat într-un costum romantic de domn; Își ridică paharul de bere cu o mână și o îmbrățișează pe Saskia, care stă în poală, cu cealaltă. Luminozitatea culorilor și libertatea trăsăturilor corespund pe deplin stării de spirit a scenei.
Autoportret cu Saskia în poală. 1635
La începutul anilor 1640, viața și activitatea artistică a lui Rembrandt au dobândit stabilitate și regularitate. Self-Portrait 1640 (Londra, National Gallery), influențat de lucrările lui Rafael și Tizian, arată un bărbat încrezător, sensibil, îmbrăcat după moda italiană din secolul al XVI-lea, sprijinit pe o balustradă; umerii îi sunt ușor întoarse, privirea îndreptată spre privitor.
Una dintre cele mai cunoscute picturi ale acestei perioade este The Night Watch (1642, Amsterdam, Rijksmuseum). Numele real al lucrării este Compania căpitanului Frans Banning Kok și locotenentului Willem van Ruytenburg. A fost scrisă cu ocazia unei vizite la Amsterdam regina franceza Marie de Medici și ieșirea ceremonială a trupelor de poliție orașului amenajată cu această ocazie. Fundalul întunecat predominant în imagine face posibilă evidențierea mai bine a figurilor personajelor. De aceea în secolul al XVIII-lea. tabloul a fost intitulat greșit Night Watch. La fel ca Anatomia doctorului Tulpe, acest tablou depășește portretul tradițional de grup. Înfățișează 29 de personaje, dintre care 16 sunt figuri istorice reale; mișcările și locația lor în imagine sunt subordonate unei singure acțiuni generale care se dezvoltă în fața ochilor privitorului. Stâlpii, bannerele și muschetele ies în direcții diferite, făcând compoziția mai liberă și mai dinamică; senzația este sporită de jocul de lumini și umbre.
Veghea de noapte. 1642
În anii 1640, pictura religioasă a lui Rembrandt a devenit mai puțin retorică, smerenia și sensul profund au apărut în ea. Forta interioara, caracteristică lucrării târzii a maestrului. Încă din Renaștere, evenimentele Sfintei Scripturi au fost de obicei interpretate într-o manieră eroică, iar personajele lor au fost înzestrate cu frumusețe fizică. Viziunea lui Rembrandt diferă brusc de acest concept; Hristos în faptele sale pare smerit și blând, umilit și nevăzut între oameni.
Frunza de o sută de guldeni, o gravură care își ia numele de la prețul cu care a fost vândută la una dintre primele licitații, tratează tema smereniei creștine. Figura lui Hristos nu iese în evidență din mulțime nici prin haine, nici prin poziție specială, dar atenția privitorului este atrasă spre centrul compoziției - chipul Mântuitorului cu cele mai subtile raze de lumină divină care emană din el. În stânga Lui sunt cei zdrobiți de slăbiciunea duhului și a cărnii, bogați și săraci, uniți prin suferință. În dreapta sunt fariseii, necredincioși și cufundați în dispute nesfârșite. Copiii mici cad la picioarele lui Hristos. În gravura Frunzei de o sută de gulden, în absența acțiunii vizibile, Rembrandt a reușit perfect să transmită miracolul prezenței divine în lumea umană.
De la începutul anilor 1650, portretele lui Rembrandt au devenit profund personale, compozițiile au devenit stricte și geometrice în construcție, iar schema de culori a devenit un spectru imens de nuanțe de trei sau patru culori. Arta lui Rembrandt nu reflectă gusturile mai artistice ale publicului; Artistul este acum ocupat cu cercetarea proprietăților tehnicilor de pictură în ulei. Viziunea asupra lumii a maestrului, întruchipată în lucrările sale ulterioare, atât de apreciate astăzi, a rămas de neînțeles pentru contemporanii săi.
Rembrandt. — Danae. 1636.
Pictura Omul cu coif aurit (1651, Berlin - Dahlem) de Rembrandt demonstrează trăsături de caracter stilul târziu al maestrului. Fața războinicului cu părul cărunt este scufundată într-o umbră moale și adâncă, iar reflexele luminii de pe cască sunt transmise în mișcări libere, largi și groase. Pentru Rembrandt, un subiect neobișnuit poate deveni uneori un motiv pentru experimente artistice îndrăznețe. Un exemplu aici este pictura Carcasă de taur jupuită (1655, Paris, Luvru). Peria readuce viața cărnii moarte și frumusețea urâțeniei. Rembrandt a evitat întotdeauna idealizarea clasicistă în înfățișarea corpului uman. În tabloul Bathsheba (1654, Paris, Luvru), femeia pe care regele David a văzut-o făcându-se și de care s-a îndrăgostit pentru frumusețea ei extraordinară nu este înfățișată în momentul scălării, atât de des aleasă de artiști pentru a spune această poveste și nu este deloc frumos. Ea este cufundată în gânduri adânci și pare să prevadă moartea soțului ei.
În lucrarea sa ulterioară, Rembrandt sa îndreptat din ce în ce mai mult către interpretarea evenimentelor din istoria creștină. Tabloul Coborârea de pe cruce (c. 1655, Washington, National Gallery) este dedicat nu numai morții lui Hristos, ci și durerii celor care Îl jelesc.
Una dintre cele mai lucrări celebre Pictura religioasă a lui Rembrandt din această perioadă este pictura Negarea lui Petru (c. 1660, Amsterdam, Rijksmuseum). În centru este înfățișată o tânără slujitoare întorcându-se către Petru, iar acesta, cu un gest al mâinii deplasate în lateral, își confirmă cuvintele despre renunțarea la Hristos. Spațiul din prim-plan este iluminat de o singură lumânare, pe care servitoarea o umbrește cu mâna - o tehnică care era foarte populară printre caravagiști la începutul secolului. Lumina moale a unei lumânări modelează formele figurilor și obiectelor situate în prim-plan. Sunt vopsite cu linii ușoare, într-o schemă de culoare maro-gălbuie cu câteva accente roșii. Uneori, formele par să se dizolve în lumină sau sunt umplute cu ea, ca mâna unei servitoare care blochează o lumânare. Pe chipul lui Peter este o tristețe profundă. Aici, ca și în portretele și autoportretele ulterioare ale artistului, Rembrandt înfățișează bătrânețea cu o pricepere neîntrecută, cu înțelepciunea ei acumulată de-a lungul anilor, slăbiciunea cărnii și forța spiritului.
Portretele lui Rembrandt devin, de asemenea, profund personale de-a lungul anilor. În portretul poetului Jan Six (1654, Amsterdam, colecția Six family), subiectul este înfățișat dintr-o perspectivă abia vizibilă de jos în sus; Cu excepția feței fin modelate, portretul este pictat rapid și liber, cu linii mari. Schema de culori este dominată de roșul strălucitor al mantiei și aurii nasturii costumului, în contrast cu diverse nuanțe de verde și gri.
În portretul lui Hendrikje Stoffels (c. 1656, Berlin - Dahlem), figura este înscrisă în cadrul deschiderii ferestrei și, datorită dimensiunii mari alese de artist, pare să stea foarte aproape de planul tabloului. Privirea lui Hendrickje este îndreptată către privitor, poza ei este liberă, capul este înclinat în lateral, iar mâinile îi stau foarte natural. Schema de culori a picturii este o combinație de tonuri aurii, alb, roșu și negru.
Unul dintre cele mai bune portrete de grup ale lui Rembrandt este Syndics (1661–1662, Amsterdam, Rijksmuseum). Clienții portretului au fost reprezentanți ai atelierului de confecții din Amsterdam (sindicii). Ei sunt reprezentați în jurul unei mese cu o carte de numărare întinsă pe ea. Artistul face spectatorul un participant la ceea ce se întâmplă în imagine. Se pare că tocmai i-am întrerupt pe sindicii care erau ocupați cu calculele lor și, prin urmare, toți, parcă ridicând o clipă din munca lor, se uită la privitor. Liniile drepte predomină în imagine, dar întoarcerea mesei și jocul complex de lumini atenuează severitatea compoziției. Pete de lumină sunt împrăștiate pe toată pânza, înviorându-i suprafața picturală. Această imagine este remarcabilă atât ca studiu psihologic, al cărui scop este acela de a descrie oameni cu caractere diferite, cât și ca document istoric.
În jurul anului 1661, Rembrandt a fost comandat pentru una dintre cele opt picturi istorice care ar fi trebuit să decoreze Primăria din Amsterdam. Uriașa pânză (dimensiuni originale 5-5 m) Conspirația lui Julius Civilis, conform diferitelor versiuni, fie nu a fost niciodată atârnată în primărie, fie a ocupat spațiul alocat acesteia timp de cel mult doi ani, iar apoi a fost înlocuită cu un tablou de Ovens pe același subiect. Doar un fragment din această lucrare a lui Rembrandt a supraviețuit, care se află în Muzeul Național din Stockholm. Rembrandt a descris un eveniment descris în Analele istoricului roman Tacitus (secolul I): liderii tribului Batavian jură pe sabie să lupte pentru eliberarea de sub dominația romană. Amploarea acestei lucrări în forma sa originală poate fi judecată din schița compozițională aflată la München. Arată că la început masa și oamenii adunați în jurul ei au fost arătate în spațiul unei săli imense, a cărei profunzime era transmisă prin jocul de lumini și umbre.
În secolul al XVII-lea desenul a servit de obicei ca o schiță preliminară pentru dezvoltarea unei compoziții mari, o schiță a detaliilor individuale ale picturii viitoare sau a fost aplicat pe carton și apoi transferat pe suprafața destinată picturii. Foarte rar un desen a fost gândit ca o operă de artă completă; Adesea, desenele erau aruncate după finalizarea proiectului. Fiecare desen de Rembrandt este un studiu al naturii fenomenelor și o încercare de a surprinde caracterul unui moment sau al unui obiect. Când un artist făcea schițe din lucrările vechilor maeștri, nu crea copii, ci variații pe aceeași temă, rezolvând în același timp propriile probleme artistice. În anii 1630 și 1640, el a pictat combinând linii de grosimi diferite cu cele mai fine spălări. Uneori, desenele lui par niște schițe rapide, unde linia nervoasă rămâne cu greu continuă nicăieri.
Rembrandt a fost primul care a realizat posibilitățile bogate de gravare în comparație cu gravura pe metal. Această gravură este creată prin zgârierea unui design pe o placă de metal; apoi placa este acoperită cu vopsea, umplând adânciturile lăsate de tăietor, iar din aceasta se fac amprente pe hârtie folosind o presă. Cuțitul necesită presiune puternică și îngrijire deosebită. Lucrul la gravură, dimpotrivă, nu necesită multă forță fizică, iar liniile sunt mai libere și mai flexibile. În loc să zgârie metalul cu o daltă, artistul acoperă placa cu un lac rezistent la acid și trage pe ea cu un ac, apoi scufundă placa în acid și metalul este gravat în zonele fără lac. Gravura îi oferă artistului mult mai multă libertate și poate desena cu un ac ca și cum ar folosi un pix pe hârtie. În gravurile lui Rembrandt liniile sunt la fel de libere și fluide ca în schițele cu stilou. Pentru a obține noi efecte expresive, el a combinat adesea tehnici diferite: uneori trecea un tăietor peste o placă deja gravată cu acid, alteori grava cu un „punct uscat” - un instrument cu un diamant la capăt, care lasă caneluri cu crestături pe metalul, oferind imprimeului o notă moale și catifelată. De exemplu, în Foaia cu o sută de guldeni artistul a folosit toate aceste tehnici (lucrarea pe această placă a durat câțiva ani).
Vestea bună către păstori a lui Liszt (1634) este un adevărat spectacol de teatru baroc. Desenul este realizat cu linii intersectate dens plasate care creează contraste de tonuri deschise și întunecate. Cinci ani mai târziu, în Adormirea Maicii Domnului, dominația zonelor întunecate dens umbrite a fost înlocuită cu o predominanță a zonelor luminoase și a umbririi subțiri paralele. În gravura din Three Trees (1643), contrastul dintre fragmentele de imagine dens umbrite și hârtie albă este dus la extrem; liniile paralele înclinate pe cer transmit perfect senzația unei furtuni de vară. Cea mai dramatică dintre gravurile lui Rembrandt este foaia din Trei cruci (c. 1650).
S-au folosit materiale din enciclopedia „Lumea din jurul nostru”.
Întoarcerea Fiului Risipitor. 1669
Apogeul realismului olandez este opera lui Rembrandt. Conținutul ideologic și abilitățile artistice remarcabile inerente imaginilor sale îl plasează pe Rembrandt printre cei mai mari reprezentanți ai artei mondiale. Este la fel de grozav ca pictor și ca maestru al gravurii și desenului.
Rembrandt Garmens van Rijn s-a născut în 1606 la Leiden, fiul unui proprietar de moară. Vocația sa pentru pictură s-a manifestat foarte devreme. Primii ani ai călătoriei sale creative, care a avut loc în Leidenul natal, au fost marcați de căutarea independenței creatoare. În 1632 s-a mutat la Amsterdam - centrul vieții culturale a republicii. În „Lecția de anatomie a doctorului Tulp”, care i-a adus un mare succes, Rembrandt rezolvă problema portretului de grup într-un mod nou, unindu-l cu unitatea de acțiune. Faima lui Rembrandt este în creștere, mulți studenți se îngrămădesc în atelierul lui, anii 30 sunt perioada celui mai mare succes în viață al lui Rembrandt; Alături de picturi pe subiecte biblice și mitologice, pictează un număr imens de portrete la comandă, lucrează mult în tehnica gravurii și a desenelor. Lucrările acestui deceniu sunt marcate de un sentiment de mare vitalitate, accentuat de expresivitate dramatică, deși uneori nu sunt lipsite de efecte externe. Printre cele mai bune creații ale anilor 30 se numără „Danae”, unde o imagine mitologică tradițională capătă trăsăturile unui adevăr uimitor de viață. Se conturează sistemul pictural al artistului, în care rolul principal este jucat de contrastele de lumină și umbră, sporind rezonanța emoțională a imaginilor.
La începutul anilor '40, a avut loc un punct de cotitură în opera lui Rembrandt: artistul s-a eliberat de unele dintre trăsăturile limitate caracteristice lucrărilor sale anterioare, metoda sa realistă s-a aprofundat, care, totuși, nu a fost recunoscută de cercurile burgheze. Istoria faimosului său tablou, cunoscut sub numele de „Night Watch”, este indicativă în acest sens. Îndeplinind o comandă pentru un portret de grup al pușcarilor din compania căpitanului Banning Cock, Rembrandt a încălcat toate tradițiile. În loc de o serie de figuri așezate decor pe o pânză, el a prezentat o scenă de stradă plină de realism și poezie înaltă, o reprezentație solemnă a pușcașilor înconjurați de mulțimea orașului atrasă de acest eveniment. În această lucrare monumentală se aude ecoul vremurilor eroice ale Revoluției olandeze. Recepția ostilă care a întâmpinat Veghea de Noapte a fost un indicator al gusturilor limitate ale burgheziei olandeze, îndepărtarea acesteia de la idealurile progresiste ale erei revoluționare.
În lucrările anilor '40, Rembrandt se îndreaptă către lumea oamenilor simpli și săraci - tocmai în acest mediu găsește purtători de înaltă noblețe morală, sentimente puternice, sincere. În filme precum Sfânta Familie sau Bunul Samaritean, evenimentele Evangheliei sunt descrise ca episoade din viața de zi cu zi. Acest lucru conferă temei religioase un sens social deosebit. Grafica lui Rembrandt se dezvoltă în aceeași direcție. În faimoasa gravură „Hristos vindecând pe bolnavi”, imaginile săracilor și suferinzii sunt puse în contrast cu fariseii care se îndreptățesc.
Ultimii 20 de ani sunt cel mai tragic moment din viața lui Rembrandt. Divergența sa față de gusturile predominante ale burgheziei a dus la o scădere a comenzilor și s-a încheiat în faliment în 1656: proprietatea și colecțiile artistului au fost vândute la licitație, iar el însuși a fost nevoit să se stabilească în cel mai sărac cartier din Amsterdam.
El este bântuit de pierderi grele ale familiei. Dar în acești ani arta lui Rembrandt a atins apogeul. Natura monumentală a imaginilor, revelația profundă a lumii interioare a omului, energia uimitoare a picturii, bazată pe armoniile tonurilor roșiatice și maronii care par să ardă din interior - acestea sunt trăsăturile artei sale târzii. Cele mai bune lucrări din acest timp sunt „Assur, Haman și Esther”, „David înaintea lui Saul”, etc. În aceiași ani, Rembrandt și-a creat compoziția istorică, plină de putere eroică, „Conspirația lui Julius Civilis”, dedicată. la lupta de eliberare a batavilor (considerați strămoșii Olandei) împotriva stăpânirii romane.
În ultimii săi ani, arta portretului maestrului a atins apogeul. În portretele sale, Rembrandt nu se limitează la niciun aspect psihologic, ci oferă, parcă, o imagine a întregii vieți spirituale a unei persoane, mișcarea interioară continuă a gândurilor și sentimentelor. Pentru Rembrandt, bogăția personalității umane este inepuizabilă; Întorcându-se în mod repetat la același model, maestrul găsește întotdeauna în el ceva nou și unic. De exemplu, Rembrandt a creat peste o sută de autoportrete. Cele mai bune creații ale lui Rembrandt includ portretele lui Breuning, Burgomaster Six, a doua soție a artistului, Hendrikje Stoffels, și fiul său, Titus, citind.
Finalul operei lui Rembrandt - faimoasa sa pictură „Întoarcerea fiului risipitor” - uimește prin radiația sentimentului uman profund. Stabilirea idealurilor umaniste în condițiile Olandei în secolul al XVII-lea a însemnat ruptura inevitabilă a artistului de burghezia, care se îndepărtase de tradițiile sale revoluționare. Este foarte semnificativ faptul că moartea marelui maestru în 1669 a trecut complet neobservată.
Printre puținii studenți care au stăpânit principiile înalte ale realismului lui Rembrandt s-au numărat defunctul timpuriu Carel Fabricius (circa 1622-1654) și Art de Gelder (1645-1727).
În ultimul sfert al secolului al XVII-lea. începe o perioadă de declin complet al artei olandeze.
Citat din publicație: Istoria lumii. Volumul IV. M., 1958, p. 311-313.
Literatură:
Rovinsky D. Colecție completă de gravuri ale lui Rembrandt, vol. 1–4. Sankt Petersburg, 1890
Rembrandt. Cultura artistică a Europei de Vest în secolul al XVII-lea. Sankt Petersburg, M., 1970
Egorova K.S. Rembrandt Garmens van Rijn. Picturi ale artistului în muzeele Uniunii Sovietice [Album]. L., 1971
Egorova K.S. Portret în operele lui Rembrandt. M., 1975
Citiți mai departe:
Irina Nenarokomova. Rembrandt. (Roman-ziar pentru copii).
Artiști(carte de referință biografică).
Citiți mai multe pe web:
Site-ul web http://rembr.ru/ - despre artistul olandez Rembrandt Van Rijn. Galeria de picturi, biografia artistului, cărți și studii despre viața lui Rembrandt.
Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669) cel mai mare artist, pictor, gravor și desenator olandez. S-a născut într-o familie de morar din Leiden, unde a lucrat până în 1632, după care s-a mutat la Amsterdam. În 1634, Rembrandt s-a căsătorit cu o fată dintr-o familie bogată, Saskia van Uylenburch, a cărei imagine a fost imortalizată de el în multe portrete cu tandrețe și dragoste extraordinare.
Începând cu anii 1640, în opera lui Rembrandt, în special în picturile pe teme religioase, clarobscurul a devenit important, creând o atmosferă emoțională tensionată. Artistul este interesat de esența ascunsă a fenomenelor, de lumea interioară complexă a oamenilor reprezentați.
În 1642, soarta îi dă o lovitură grea lui Rembrandt - Saskia moare. În același an, el a pictat cel mai remarcabil și faimos tablou al său, Night Watch, a cărui soluție compozițională nu are nimic în comun cu un portret tradițional de grup.
Ultimele sale lucrări uimesc prin precizia măiestriei sale. În ultimele autoportrete ale lui Rembrandt, care au devenit apogeul inegalabilului său galerie de portrete, privitorului i se prezintă un om care îndură stoic încercări dificile și amărăciunea pierderii (în 1668 și-a pierdut iubitul Hendrickje Stoffels, iar în 1668 pe fiul său Titus).
Rembrandt a creat lucrări minunate în aproape toate genurile și a folosit o varietate de tehnici de scriere (pictură, desen, gravură). Cel mai mare maestru, a influențat mulți artiști celebri. Aureola faimei din jurul numelui lui Rembrandt nu a dispărut și, după moartea sa, a primit adevărata recunoaștere ca unul dintre pictorii remarcabili ai tuturor timpurilor.
Picturile lui Rembrandt:
| Danae 1636-1647 |
||
Întotdeauna este greu să vorbești despre ceea ce iubești cu adevărat. Alegeți cu grijă cuvintele potrivite, figuri de stil, nu știi de unde să începi... Așa că voi începe cu o mică revelație: Rembrandt Harmenszoon van Rijn- artistul meu preferat și l-am cunoscut de foarte mult timp.
În copilărie – în Schit, cu poveștile profesorului-tată. În tinerețe - în timpul orelor de MHC la institut, cu tobogane vechi într-o clasă întunecată în serile lungi de decembrie. În tinerețea mea - în uimitor Amsterdam, râzând cu bucurie în razele apusului soarelui de august. Am ținut deja sute de prelegeri despre Rembrandt, am făcut zeci de excursii, dar încă am senzația că acum ești pe cale să te cufunda în ceva necunoscut, imens, de neînțeles.
E ca și cum ai sări de pe un dig în apele mării unde te-ai găsit pentru prima dată. Nu știi dacă apa este rece acolo sau câte pietre sunt în fund. Este anticiparea și îndoiala care îți face mâinile să tremure nervos. Există o singură modalitate de a învinge asta - săriți în alergare, simțindu-vă inima bătând cu putere și cum, la un moment dat, întreaga lume din jurul vostru este dusă undeva în depărtare, iar acum sunteți singur cu ceva complet nou... Ei bine, bine! Să sărim, să deschidem ochii și să ne uităm!
La 27 de ani, avea tot ce putea visa un artist. Faimă, faimă, bani, femeie iubită, sute de comenzi. A fost considerat cel mai bun maestru al picturii portretistice într-unul dintre cele mai bogate orașe ale timpului său, în perla Europa de Nord− Amsterdam.
Da, nu a existat niciodată un artist în lume capabil să creeze așa ceva! Portretul trebuia să fie perfect, trebuia să lumineze toate deficiențele persoanei, dar Rembrandt a gândit diferit. Portretele lui erau vii. Transmiteau caracter; Iată un fragment dintr-un portret al colectorului șef de taxe din provincia Olanda, Jan Vtenbogaert.
Aproape întreaga avere a republicii a trecut prin mâinile acestui om. Iar hainele lui - un guler aerat din dantelă, o haină lungă de blană de samur rusesc - indică clar starea lui. Acum doar uită-te la acei ochi. Vedeți tristețe în ei... Și imediat vă vine în minte pânza marelui predecesor al lui Rembrandt -. Nu se uită oare apostolul la Hristos cu aceeași expresie când îl cheamă la sine? Acest portret este povestea unui om foarte bogat, dar foarte nefericit, iar pictorul olandez a putut să arate acest lucru într-un moment înghețat.
Rembrandt Harmens van Rijn și-a petrecut tot timpul liber studiind expresiile faciale. A stat ore în șir la oglindă și a făcut fețe, pe care apoi le-a transferat cu cărbune pe hârtie. Pentru el era important să surprindă cele mai mici nuanțe de emoții.
Fața umană, potrivit artistului, era o oglindă a sufletului, el și-a dat seama de asta cu mult înainte de Oscar Wilde cu „Portretul lui Dorian Gray”. Dar portretele nu sunt singurul lucru la care a excelat Rembrandt. Pânzele lui mari ne impresionează nu mai puțin. Jocul clarobscurului, pe care Caravaggio l-a dezvoltat atât de mult în pictura sa, capătă o amploare cu adevărat gigantică la maestrul nostru.
Avea doar 28 de ani când și-a creat prima sa capodopera absolută. Acesta este tabloul „Coborârea de pe cruce”. Pur și simplu nu poți trece pe lângă acest tablou din Schit. Într-o clipă, artistul a reușit să înfățișeze întreaga esență a creștinismului, să spună una dintre cele mai mari povești omenești cât mai sincer și emoționant, într-un mod pe care nimeni nu îl făcuse înainte sau după el.
Ierusalimul din fundal se îneacă în întuneric. Mântuitorul este mort. Îi vedem trupul fără viață în centrul imaginii. Acesta este momentul de cea mai mare disperare, nimeni încă nu crede în înviere. Oamenii văd doar cadavrul bărbatului pe care l-au iubit și l-au închinat ca zeu, iar Fecioara Maria leșină, pielea ei palidă de moarte - tocmai și-a pierdut singurul fiu.
Există un detaliu pe această pânză care nu este imediat vizibil. Aceasta este iluminarea. Sursa de lumină este un felinar în mâinile unui băiat, dar trupul lui Hristos și hainele apostolului care îl ține în brațe reflectă lumina ca o oglindă. Și tocmai prin lumină se spune aici povestea adevărată, se dezvăluie sensul filosofic al tabloului.
Lumina felinarului este lumina credinței, iar ceea ce vedem în imagine este o introducere în misterul său. Se simte că însuși trupul Mântuitorului devine aici sursa de lumină. Ceea ce iese în evidență din întuneric este chipul Maicii Domnului și giulgiul, luminate de lumina slabă a unei lumânări, în care urmează să fie înfășurat trupul lui Hristos. Pe această pânză, Rembrandt a folosit mai întâi o tehnică care anul trecut viața a devenit centrală pentru munca lui.
Și acum vedem cum un om care a stăpânit perfect tehnica scrisului a pictat toate figurile centrale de pe pânză în cel mai mic detaliu, dar, pe măsură ce ne-am îndepărtat de lumină, fețele oamenilor au devenit din ce în ce mai neclare, aproape imposibil de distins. Totul este foarte simplu - misterul a ceea ce se întâmplă a trecut pe lângă ei.
Cu toate acestea, există un alt personaj pe această pânză care nu se observă la prima vedere. În ciuda faptului că se află în umbră, Rembrandt îl înfățișează foarte clar. În colțul din dreapta jos al pânzei, din cel mai întunecat loc, ascuns în spatele tulpinilor de ciulin, Diavolul în formă de câine se uită la tine și pare să-ți pună o întrebare:
„Te-ai implicat în ceea ce se întâmplă?”
Da, maestrul olandez nu a fost niciodată mulțumit de cadrul unui tablou, a visat că pânzele sale vor deveni parte din această lume și că privitorul va deveni un participant direct la ceea ce se întâmplă. Dar tocmai această dorință l-a coborât de pe culmile gloriei în abisul uitării de secole.
Nenorocirea și uitarea vin la fel de repede ca averea și gloria. Rembrandt Harmens van Rijn a experimentat această primă mână în 1642. Desigur, au existat dureri înainte de aceasta: copiii lui au murit în copilărie. Un singur fiu a supraviețuit, Titus, născut în 1641. Dar un an mai târziu, iubita lui soție Saskia, cu care a trăit mulți ani, a părăsit această lume. Iar odată cu această pierdere, și norocul s-a întors de la artist, s-a întors în momentul în care a realizat unul dintre cele mai mari tablouri ale sale.
Putem vorbi la nesfârșit despre „Night Watch” al lui Rembrandt. Acest tablou este atât de mare în conținut, atât de unic în compoziția sa structurată, încât istoria creației sale este destul de demnă de o carte separată, nu de un articol. Dar, așa cum se întâmplă adesea în viață, această creație, care mai târziu a schimbat radical întreaga dezvoltare a picturii mondiale, a fost respinsă de contemporanii săi.
Clienților nu le-a plăcut felul în care au fost reprezentați și mulți dintre ei au refuzat să plătească pentru munca artistului. Cel mai faimos pictor al Țărilor de Jos nu a experimentat niciodată o asemenea umilință. Într-un an, Rembrandt și-a pierdut iubita soție și a suferit un fiasco cu cea mai bună lucrare a lui. S-ar părea că este suficient, dar nu, acesta a fost doar începutul tragediei. Comenzile au devenit din ce în ce mai puține (clasicismul și stilul portretelor ceremoniale au intrat în modă), iar în curând proprietatea artistului a fost vândută pentru datorii. Dintr-un conac imens din chiar centrul Amsterdamului, a fost nevoit să se mute la marginea orașului, în Cartierul Evreiesc, unde a închiriat mai multe camere cu fiul său iubit Titus.
Cel mai interesant lucru este că Rembrandt s-ar putea adapta cu ușurință la cele mai recente tendințe de modă în artă și ar putea primi din nou bani mari pentru pânzele sale. Însă pictorul era convins că trebuie să creeze un stil complet nou. Portretele sale nu mai erau ale oamenilor bogați, ci ale celor mai simpli cetățeni ai orașului Amsterdam. Acesta este, de exemplu, „Portretul unui evreu bătrân”.
Rembrandt nu mai era interesat de reprezentările detaliate ale tuturor articolelor de îmbrăcăminte, s-a străduit pentru o mai mare abstracție, străduindu-se să arate sentimentele personajelor sale cu o acuratețe perfectă. Pentru perseverența lui, a primit doar suferință și palme. Acest lucru s-a întâmplat cu pictura sa „Conspirația lui Julius Civilis”.
În loc de o imagine clasică, pompoasă, patriotică, bătrânul maestru a prezentat asta publicului.
În fața noastră este o imagine a unui festin barbar, nepoliticos, inestetic. Acest tablou a fost cu aproape 300 de ani înaintea timpului său, anticipând pictura expresionistă. Nu este surprinzător că capodopera maestrului a fost respinsă, iar numele său a fost acoperit de o rușine de neșters. Dar tocmai acești ultimi opt ani din viața lui, petrecuți într-o sărăcie absolută, de nepătruns, sunt una dintre cele mai fructuoase perioade din opera lui Rembrandt.
Cred că voi scrie despre picturile din acea perioadă, inclusiv „Întoarcerea fiului risipitor” într-un articol separat. Acum vreau să vorbesc despre altceva. Mereu am fost uimit de cum a putut Rembrandt să lucreze și să-și dezvolte talentul atunci când loviturile destinului plouau asupra lui de pretutindeni. Acest lucru nu a putut continua mult timp, iar artistul a avut un presentiment.
Lovitura finală este întotdeauna dată în zona care doare cel mai mult. Era singurul fiu, Titus, un băiat foarte bolnav care semăna cu mama lui moartă. El a fost cel mai des înfățișat Rembrandt la acea vreme: atât sub forma unui înger în pictura „Matei și îngerul”, cât și lectură, precum și în diverse costume. Poate că pictorul s-a gândit că cu ajutorul talentului său va reuși cumva să întârzie inevitabilul... Nu a fost posibil...
În opinia mea, „Portretul lui Titus în haină de călugăr” este una dintre cele mai pline de suflet picturi ale lui Rembrandt. Toată dragostea tatălui ei și tot talentul ei de pictor s-a manifestat în ea. În toate aceste mișcări aspre, în acest întuneric care înainta spre tânărul din stânga, în plantele care îi înconjoară deja corpul, un lucru iese în evidență - chipul palid al fiului artistului, cu ochii în jos, plini de smerenie.
Titus a murit în 1668, Rembrandt i-a supraviețuit doar cu un an.
Murea la periferia Amsterdamului, absolut singur, după ce a primit totul în această viață și a pierdut totul. Au uitat multă vreme de picturile lui... Dar au trecut 150 de ani, iar alți artiști au auzit deja ce încerca maestrul să le spună contemporanilor săi, care și-au ales propriul drum unic în loc de faimă și bani.
Rembrandt Harmens van Rijn este cel mai mare artist și grafician olandez. Este un reprezentant al „marilor olandezi”: artiști olandezi care și-au pictat picturile pe pânze de format mare.
Rembrandt Harmens van Rijn s-a născut la 15 iulie 1606 în Olanda, în orașul Leiden. Tatăl său Harmen van Rijn era un morar bogat, iar mama sa Neltje Willems van Zeitburg era fiica unui brutar. Rembrandt a fost al șaselea copil dintr-o familie numeroasă.
În Leiden, Rembrandt a studiat la o școală de latină și la vârsta de 13 ani a intrat la Universitatea din Leiden, dar nu a rămas acolo. Băiatul era mai interesat de pictură și tatăl lui Rembrandt, văzând talentul fiului său, l-a ajutat. La vârsta de 16 ani, Rembrandt a început să studieze artele vizuale cu primul său profesor, Jacob van Swanenburch - Pictor istoric Leiden, fiul lui Isaac Claes Swanenburch - cel mai proeminent artist al orașului la sfârșitul secolului al XVI-lea. Mai mult, Rembrandt era o rudă îndepărtată Jacob van Swanenburch.
În 1623, Rembrandt s-a mutat la Amsterdam, unde a studiat șase luni cu Pieter Lastman, care a devenit faimos pentru subiectele sale istorice, mitologice și biblice. Rembrandt a venit în atelierul său când era adolescent, așa că a învățat multe de la acest artist foarte faimos de atunci. În atelierul său, Rembrandt a învățat arta gravurii. Gustul lui Lastman pentru variație și detalii excesive a avut inițial o influență uriașă asupra tânărului Rembrandt. Picturile timpurii ale lui Rembrandt: „Lapidarea Sfântului Apostol Ștefan” (1625. Lyon. Muzeul de Arte Plastice), „Palamedea înainte de Agamemnon” (1626), „Botezul eunucului” (1626. Utrecht. Muzeul de Stat al Conventului Katharine), „Concert” (Lecția muzicală de dragoste voluptoasă) (1626. Muzeul de stat din Amsterdam. Rijksmuseum), „David cu capul lui Goliat” (1627. Basel. Colecție de artă deschisă), „Tobit Praying” (Tobit o acuză pe Anna că a furat un copil ) (1626. Muzeul de Stat din Amsterdam. Rijksmuseum), „Balaam și măgarul” (1627). Aceste picturi sunt foarte colorate, detaliile detaliate sunt descrise cu atenție și chiar decorul legendei biblice este transmis în mod fiabil. Dar deja în aceste picturi timpurii apar efectele de lumină și umbră care l-au făcut pe autor atât de faimos.
În 1627, Rembrandt s-a întors la Leiden. La vârsta de douăzeci de ani, a lucrat independent la picturi și, de asemenea, a gravat. Rembrandt, plimbându-se pe străzi, a surprins imaginile care îi plăceau cu o daltă pe o tablă lăcuită. El creează, de asemenea, o serie de imprimeuri înfățișând rudele sale și autoportrete. În Leiden, Rembrandt a lucrat împreună cu prietenul său Jan Lievens, care era egal în talent. Artiștii se influențează reciproc munca celuilalt și uneori lucrează pe același subiect într-un fel de co-autor. Din acest motiv, este destul de dificil pentru istoricii de artă să tragă o linie între picturile lui Rembrandt și Lievens din 1628-1632. Unele dintre capodoperele lui Livens au fost atribuite lui Rembrandt, în timp ce picturile mai puțin valoroase ale acestuia din urmă au fost considerate lucrări ale lui Levins.
Deja în anii Leiden, originalitatea lui Rembrandt a început să apară în modul său de a dezvolta subiecte. Ca și alți maeștri baroc, Rembrandt a explorat importanța clarobscurului în transmiterea emoțiilor. Opera lui Rembrandt a fost influențată de artiști precum Joris van Schooten, creatorul unei serii întregi de picturi de grup, Luca Leiden, a cărui pensulă aparține picturii Judecata de Apoi, Peter Paul Rubens, care era considerat atunci cel mai bun artist din Europa, germanul. artistul Adam Elsheimer, precum și picturi ale profesorilor săi despre lucrul cu lumina și umbra. Picturile lui Rembrandt care sunt cel mai apropiate ca stil de caravagiști sunt „Schimbătorul de bani” (Pilda omului bogat nebun) (1627, Berlin), „Introducere în templu” (1628), „Hristos la Emaus” (1629) . Portretul în care artistul s-a surprins în atelier în timp ce lucra la pictură este primul autoportret pictural al lui Rembrandt care a ajuns până la noi (1628).
În 1629, artistul a fost remarcat de către secretarul stathouderului Konstantin Heygens, poet și filantrop. Într-una dintre scrisorile sale, Hagens îi descrie pe Lievens și Rembrandt drept tineri artiști promițători. El compară pânza lui Rembrandt „Iuda returnează treizeci de bucăți de argint” (1629. Colecție privată) cu cele mai bune lucrări din Italia, deși condamnă neglijarea desenului de către artist. Probabil datorită medierii lui Hagens, Rembrandt a contactat clienți bogați, iar statulderul a început să achiziționeze tablouri de Rembrandt și Lievens. Rembrandt a pictat mai multe tablouri pe teme religioase pentru Prințul de Orange. Cu toate acestea, patima lui Hristos nu a fost un mare succes.
În 1631, Rembrandt s-a mutat din nou la Amsterdam, care la acea vreme era considerată a doua Veneție. Rembrandt întâlnește mulți oameni de diferite clase. Numeroase portrete indică faptul că artistul a fost inclus în cele mai înalte pături ale societății din Amsterdam. Oamenii obișnuiți au pozat pentru el pentru scene biblice. Primii zece ani după ce Rembrandt s-a mutat la Amsterdam au fost marcați de crearea multor lucrări de dimensiuni și tematice impresionante. În studiile asupra capetelor de bărbați și femei, el explorează expresiile faciale și unicitatea fiecărui model. Artistul pictează adesea autoportrete, reprezentându-se în haine fantastice și ipostaze complicate. Rembrandt imprimă propriile gravuri și fiecare imprimeu diferă de precedentul în mai multe linii sau linii. Aceste imprimeuri s-au epuizat rapid. Lucrările sale au găsit cumpărători atât în țara sa, cât și în străinătate.
Rembrandt devine un colecționar pasionat de obiecte scumpe și rare. Și-a umplut conacul de pe malul unui canal recent săpat cu obiecte de artă pe care le-a cumpărat de la antichitari. Acestea erau picturi și gravuri ale maeștrilor italieni, câteva lucrări ale lui Rubens, precum și busturi antice, arme, instrumente muzicale, armuri indiene și ustensile de zi cu zi. Artistul a studiat îndeaproape lucrările marilor predecesori și contemporani, precum Titian și „Ariosto” al său, portretul lui Balthazar Castiglione de Rafael și portretele lui van Dyck.
Portretul de grup „Lecția de anatomie a doctorului Tulp” (1632. Haga, Mauritshuis) l-a glorificat pe Rembrandt și este considerată prima mare lucrare a artistului. În 1555, în Olanda a fost adoptată o lege care permite medicilor să examineze corpul uman, iar mulți doctori au susținut prelegeri despre structura anatomică a omului în teatre anatomice speciale. În pictura „Lecția de anatomie a Dr. Tulp”, dr. Nicholas Tulp (pe numele real Claes Pieterszoon), un chirurg și om de știință remarcabil din Amsterdam, care a condus departamentul de anatomie, demonstrează medicilor structura mușchilor antebrațului stâng. Poza uimește prin realismul și naturalismul ei. Compoziția este destul de originală, nu corespunde schemei obișnuite, când figurile erau așezate în jurul unei mese sau înșirate în rânduri paralele, astfel încât capetele celor portretizați să fie la fel de vizibile pentru privitor. Contrar acestei tradiții formale predominante, chirurgii sunt reprezentați în ipostaze naturale și sunt uniți de o compoziție piramidală de oameni pasionați de proces. Rembrandt a reușit să transmită prin expresii faciale și gesturi gândurile și sentimentele lectorului și studenților săi. Rembrandt acordă o mare atenție luminii care umple imaginea, creând o tensiune deosebită în pânză. Tabloul „Lecția de anatomie a Dr. Tulp” a atras atenția multor locuitori din Amsterdam care au căutat să intre în auditoriul unei instituții medicale doar pentru a-l privi.
În 1634, Rembrandt s-a căsătorit cu Saskia van Uylenburgh, o fată bogată care provenea dintr-o familie foarte nobilă. Acest eveniment le-a sporit averea, deschizând artistului ușile conacelor burgherilor. La comandă specială, Rembrandt a realizat portrete de grup. Clienții au preferat să fie atrași împreună cu soțul lor. Rembrandt a pictat zeci de astfel de portrete, de obicei înfățișând soții pe două pânze diferite. Doar de două ori un pictor pictează un portret dublu, pentru că nu este ușor să așezi în mod convingător doi oameni pe o pânză.
„The Shipbuilder and His Wife” (portretul lui Jan Rijksen și al soției sale Griet Jans) (1633. Londra. Colecția Regală).
Artistul plasează cuplul într-un cadru privat. Episodul în care soția îi livrează o scrisoare soțului ei, care lucrează în biroul lui, transformă imaginea într-o scenă de gen. Schema de culori a imaginii este restrânsă; domină alb-negru. Accentele principale sunt puse de artist pe fețe și pe unele obiecte de interior. Acesta este cel mai frumos portret de grup olandez din acea vreme. Opt ani mai târziu, Rembrandt a pictat un alt portret dublu: „Predicatorul sectymenonit Cornelis Claes Anslo și soția sa Altier Gerrit Schouten” (1641. Berlin. Muzeele de stat, Galeria de artă). Compoziția este destul de neașteptată, figurile sunt deplasate spre dreapta și ocupă doar jumătate din pânză. Compoziția este echilibrată de gestul mâinii lui Anslo și de cărțile întinse pe masă.
În portretele femeilor și bărbaților, Rembrandt pictează cu atenție capul, întors în față sau trei sferturi și înfățișează expresiv mâinile. Portretele lui în lungime sunt considerate mai puțin reușite. În secolul al XVII-lea, asemănarea era cea mai importantă, dar portretele lui Rembrandt sunt profund psihologice. Fundalul se schimbă treptat de la întuneric la lumină, drept urmare figura pare să iasă din umbră. Unii subiecti prefera sa fie infatisati fara bijuterii, adesea intr-un costum de croiala simpla, decorat doar cu dantela la guler si mansete. Portretele lui Rembrandt se disting prin completitudine, sentimentul de intimitate și intimitate. Multe sunt de formă ovală. Rembrandt i-a înfățișat în principal pe comercianți cu soții lor, dând preferință portretul unui bărbat. „Marten Looten” (1632. Los Angeles. Muzeul districtual de artă), „Omul care repara un stilou” (1632. Kassel. Galeria de artă), „Femeie cu o carte de psalmi” (1632. Nivaa. Colecția de picturi din oraș), „A Man with a Pointed Beard” (1632. New York. Metropolitan Museum of Art), „Albert Kuyper” (1632. Paris. Luvru), „Jacob de Geyn al treilea” (1632. Londra. Dulwich Gallery) și zeci de altele au fost create într-o perioadă scurtă de timp. Poate că elevii l-au ajutat pe artist să picteze fundalul și hainele modelelor. Au fost multe comenzi și Rembrandt nu și-a putut permite să realizeze acea psihologie pătrunzătoare care este prezentă în primele sale portrete.
„Portretul unui om de știință” (1631. Sankt Petersburg. Schitul). Tabloul înfățișează un bărbat cu o privire atentă în procesul de lucru. Acum este foarte greu de stabilit în mod fiabil ocupația celor portretizați de Rembrandt. Nu există formalism în portret. Acest tablou ocupă un loc demn în portretele de cameră ale artistului.
Cele mai semnificative portrete ale acelor ani au fost pictate de la soția artistului, Saskia, în diferite decoruri „Saskia” (1633. Dresda. Galeria de imagini), „Portretul lui Saskia” (Portretul Kassel) (1635. Kassel. Galeria de artă). În portretul „Flora” (1634. Sankt Petersburg. Schitul), artistul o înfățișează pe Saskia în costumul Florei, creând imaginea unei zeițe. Rembrandt pictează cu atenție fața, detaliile îmbrăcămintei și coroana de flori pe capul lui Saskia. În esență, poza este o pastorală. „Autoportret cu Saskia în genunchi” (Fiul risipitor într-o crâșmă, Alegoria dragostei și vinului) (1638. Dresda. Galeria de pictură) este singurul autoportret al pictorului în care nu este înfățișat singur. Artistul s-a pictat plin de spirit, cu Saskia stând în poală și ținând în mână un pahar de vin. Păunul de pe masă este un simbol al bogăției. Hainele lor sunt elegante și exotice.
Rembrandt realizează o serie de picturi pe subiecte mitologice și istorice. Artistul a umplut aceste tablouri cu conținut emoțional, în timp ce sensul filozofic a rămas pe fundal. „Răpirea Europei” (1632. Los Angeles. Muzeul Paul Getty) intriga este tradițională pentru pictura italiană. „Răpirea lui Ganymede” (1635. Dresda. Galerie de imagini) în mit, un vultur l-a răpit pe tânărul Ganymede pentru a deveni paharnicul lui Zeus. Și aici Rembrandt a desconsiderat tradiția și, în loc de un adolescent, a înfățișat un copil capricios și plinuț de patru ani. Ganimede lui seamănă mai mult cu Cupidonul lui Rubens. Răpirea îl înspăimântă pe copil și acesta dă drumul unui pârâu cu fața distorsionată de groază.
„Danae” (1636. Sankt Petersburg. Schitul). Potrivit legendei, regele argiv Acrisius, avertizat de un oracol că va muri din mâna viitorului său nepot, și-a închis fiica Danae într-o cameră. Zeus a vizitat fata sub forma unei ploaie de aur, concependu-l pe Perseus. Rembrandt nu descrie ploaie de aur. Nu este o coincidență că Cupidon este înfățișat deasupra patului lui Danae. Sofisticată, senzuală și feminină, Danae este adesea considerată „Venusul Nordului”. Întreaga imagine este pătrunsă de lumină. Pictura a fost dăruită de artist lui Huygens.
Rembrandt a pictat și pe teme biblice, alegând subiecte care nu erau populare printre alți artiști. „Praying Tobit” (Tobit o acuză pe Anna că a furat un copil) (1626. Amsterdam. Rijksmuseum), „David cu capul lui Goliat” (1627. Basel. Colecție de artă deschisă), „Plângea lui Ieremia” (1630. Muzeul de Stat) din Amsterdam Rijksmuseum) au fost pictate de artist în perioada Leiden. „Sărbătoarea lui Belșațar” (Mene, Tekel, Fares) (1635. Londra. National Gallery) face o impresie ciudată asupra privitorului datorită faptului că pictura a fost decupată inegal pe ambele părți. Belșațar domină grupul, pe chipurile personajelor este scrisă o adevărată groază, deoarece inscripția prezice înfrângerea în bătălia cu regele persan Darius. Impresia de anxietate este sporită de iluminarea dramatică a scenei.
„Jertfa lui Avraam” (1635. Sankt Petersburg. Ermitage) este dramatică în intriga sa. Îngerul îl apucă de mâna lui Avraam în ultimul moment, prevenind astfel tragedia. Cuțitul înghețat în aer adaugă o tensiune suplimentară scenei. „Nunta lui Samson” (Samson le întreabă oaspeților o ghicitoare) (1638. Dresda. Galeria de artă). În acest tablou, Rembrandt rezolvă o problemă compozițională dificilă: plasarea cantitate mare oameni în jurul mesei. Poate că artistul a fost ajutat de o schiță realizată din pictura lui Leonardo da Vinci „Cina cea de taină”. „Adio lui David lui Ionatan” (1642. Sankt Petersburg. Schitul). Biblia spune cum David și Ionatan s-au îmbrățișat și au plâns împreună. Rembrandt a reușit să transmită drama interioară a lui Jonathan, înfățișându-l din spate. Clab-obscurul din aceste tablouri atinge o bogăție de nuanțe fără precedent. Culorile calde sunt dominate de roșul strălucitor și maro auriu.
Tabloul „The Night Watch” (1642. Amsterdam. Muzeul de Stat din Amsterdam. Rijksmuseum) este acum un simbol național al Țărilor de Jos. În 1642, Rembrandt a primit ordin de a înfățișa una dintre cele șase echipe numeroase de muschetari din Amsterdam ale căpitanului Frans Banning Cock pentru noua clădire a Societății de Tragere. Alte două comenzi de a crea un portret au fost la studenții săi. „The Night Watch” este un portret unic de grup, care înfățișează un eveniment mai degrabă decât doar mușchetari care pozează. În plus, dimensiunea pânzei este izbitoare în scara sa. Rembrandt a plecat de la canoanele portretului olandez, anticipând astfel descoperirile artistice ale picturii realiste din secolul al XIX-lea.
Tabloul înfățișează o companie care pleacă într-o campanie și câțiva trecători necunoscuți la poartă. Echipa a fost înfățișată în mișcare și scena s-a dovedit a fi foarte realistă. De la distanță, se creează iluzia că figurile se îndreaptă spre privitor. Este dificil să vorbim despre compoziția picturii din cauza faptului că a fost tăiată pe trei părți, așa că se pare că figurile sunt înghesuite în interiorul pânzei. Imaginea se bazează pe jocul zonelor iluminate și umbrite. Rembrandt folosește lumina pentru a evidenția două figuri în prim plan. O siluetă în negru - căpitanul Kok își întinde mâna înainte. Însoțitorul său este iluminat eficient, fiecare detaliu al îmbrăcămintei sale este atent detaliat. Atenția privitorului este atrasă de figura iluminată a fetei din fundalul imaginii. Pictura înfățișează mai mult de douăzeci de figuri. Clienților nu le-a plăcut faptul că unii dintre mușchetari erau în fundal sau aproape complet suprapusi de figurile care stăteau în față. În plus, imaginea amintea de recenta revoluție de eliberare olandeză. Clienții au refuzat să accepte acest tablou. Tabloul „The Night Watch” s-a dovedit a fi un punct de cotitură în cariera lui Rembrandt. Mulți studenți îl părăsesc și devin artiști căutați. Saskia moare în 1642, la un an după nașterea fiului ei Titus. Picturile vesele, colorate, cu o abundență de detalii și modele executate minuțios, devin la modă. Rembrandt însuși a primit o nouă ordine publică doar 14 ani mai târziu.
Informații documentare despre viața privată a lui Rembrandt în anii 1640. Puțini au supraviețuit. Dădaca fiului său, Geertje Dirks, l-a dat în judecată pentru că și-a încălcat promisiunea de a se căsători, iar artistul a trebuit să plătească pentru a soluționa conflictul. La sfârșitul anilor 1640, Rembrandt s-a implicat cu o altă servitoare a lui, Hendrikje Stoffels. Consiliul parohial l-a condamnat pe Hendrickje pentru „coabitare păcătoasă” după ce fiica lor Cornelia s-a născut în 1654. Servitoarele au pozat pentru Rembrandt pentru tablourile: „Femeie în pat” (Gertje Dirks?) (1647. Edinburgh. Galeria Națională a Scoției), „Hendrickje Stoffels” (1650. Paris. Luvru) „Femeie care se scălda în râu” (Hendrickje). Stoffels Bathing in river) (1654. Londra. National Gallery), „Hendrickje Stoffels at the Open Door” (perioada 1650-1660. Berlin. Muzee de stat. Galeria de artă).
Rembrandt a pictat, de asemenea, portrete ale fiului său: „Titus at his desk” (1655. Rotterdam. Boijmans-van Beuningen Museum), „Titus” (1657. Londra. Wallace Collection), „Titus in the robes of a monah (Titus in the forma Sfântului Francisc) „(1660. Muzeul de Stat din Amsterdam. Rijksmuseum). În 1653, artistul și-a transferat aproape toată proprietatea fiului său Titus și a declarat faliment în 1656. După vânzare în 1657-58. După ce și-a pierdut casa și proprietatea, artistul s-a mutat la periferia Amsterdamului, în cartierul evreiesc. Moartea lui Titus în 1668 a devenit una dintre cele ultimele lovituri soarta. Rembrandt moare un an mai târziu.
„The Syndics of the Clothmakers’ Workshop” (1661. Amsterdam. Rijksmuseum) - un portret de grup strict și restrâns. Bărbații care stau la masă sunt plini de importanță. Covorul roșu iese în evidență față de negustorii îmbrăcați în negru.
Ultimele două decenii din viața lui Rembrandt au devenit punctul culminant al abilității sale de portretist. Prieteni și soldați necunoscuți, bătrâni și femei pozează pentru el. Fețele lor sunt iluminate cu lumină interioară. „Jan Six” (1654. Amsterdam. Six Foundation), trăgând o mănușă pe mână, se remarcă prin armonia culorilor și amploarea loviturilor de impasto. Rembrandt realizează picturi dramatice și intense: „Artaxerxes, Haman și Esther” (1660. Moscova. Muzeul de Stat de Arte Plastice Pușkin) și „Negarea apostolului Petru” (1660. Muzeul de Stat din Amsterdam. Rijksmuseum). „Întoarcerea fiului risipitor” (1666. Sankt Petersburg. Ermitage)
„Haman își învață soarta” (David și Urie) (1666. Sankt Petersburg. Schitul). Au încercat să interpreteze imaginea de multe ori, dar nu există o singură versiune convingătoare. Seamănă mai mult cu fantezia lui Rembrandt pe tema istoriei biblice. Poza este foarte emoționantă datorită gestului și expresiei faciale a personajului principal.
În total, în timpul vieții sale, Rembrandt a creat aproximativ 500 de picturi (dintre care aproximativ 300 au supraviețuit), 600 de gravuri și gravuri, 1.400 de desene.
Dintre toți pictorii din lumea occidentală, Rembrandt este recunoscut drept cel mai perspicac portretist din punct de vedere psihologic. Rembrandt Harmens van Rijn este cel mai mare reprezentant al artei olandeze.
